紐約博物館推薦：MoMA 紐約現代藝術博物館攻略，門票、必看名畫、參觀建議一次整理
如果說紐約大都會博物館是一部從古埃及寫到十九世紀的百科全書，那 MoMA 就是這本書沒寫完的續集。幾年前第一次到 MoMA，是為了朝聖梵谷、畢卡索和莫內 ，最後卻沉醉在瑪格利特與達利的瘋狂裡。那些從小在美術課本、馬克杯手機桌布上看過無數次的畫，原來真的長這樣，筆觸比想像中更厚、顏色比印刷品更不安份。
MoMA（The Museum of Modern Art，紐約現代藝術博物館）是全世界最具影響力的現代藝術美術館之一，館藏將近 20 萬件，從繪畫、雕塑、攝影、電影，到椅子、汽車、電玩，甚至手機上的第一組 emoji，都被當作「藝術」認真收藏。這篇文章我整理了 MoMA 的交通、門票、開放時間等資訊，當然還有必看的藝術作品，不需要從法老王一路逛到印象派，搭著電梯上五樓，《星夜》、《亞維農的少女》、《睡蓮》等歷代名畫已經在排隊歡迎著你。
一點故事：MoMA 的歷史
股災後誕生
MoMA 的誕生要從三位熱愛藝術的紐約女性說起：洛克菲勒家族的 Abby Aldrich Rockefeller（小約翰・洛克菲勒的妻子）、收藏家 Lillie P. Bliss，以及藝術教育者 Mary Quinn Sullivan。
1920 年代紐約雖有大型美術館，但對印象派之後的「現代藝術」興趣缺缺，覺得那些畫太前衛、不入流，這三位女士決定自己來，她們籌組了一座專門展示當代作品的美術館，後來被戲稱為「The Ladies」或「The Adamantine Ladies（意志堅定的女士們）」。
1929 年 11 月 7 日，MoMA 在第五大道一棟辦公大樓裡租來的幾間房間正式開幕，時間恰巧是華爾街股市大崩 9 天之後。在一片經濟恐慌中，MoMA 首展了塞尚、高更、秀拉、梵谷四位後印象派畫家的作品，沒想到吸引了大批人潮，證明紐約人不管經濟多糟糕，其實還是很想看「新東西」。
直到 1932 年，MoMA 才搬到西 53 街洛克菲勒家族提供的一棟連棟住宅，而後在原址落成第一棟專屬館舍，1953 年建築師 Philip Johnson 設計的雕塑花園完成，以 Abby Aldrich Rockefeller 命名，至今仍是 MoMA 最受喜愛的空間。
現在這棟玻璃與石材交錯的建築則是 2004 年日本建築師谷口吉生主導的大改建，擁有挑高通透的中庭與展廳。從租來的房間起家，如今已是 53 街的地標。
年輕館長的遠見
MoMA 第一任館長 Alfred H. Barr Jr. 上任時只有 27 歲。他提出一個在當時相當激進的想法：美術館不應該只收藏畫和雕塑，而是要把建築、設計、攝影、電影、印刷品全部納入，因為這些都是「現代生活」的一部分。
他把館藏比喻成一枚不斷向前推進的魚雷，期許博物館能收藏最新的當代作品，隨著時間推移，舊作品會「退出」轉交給其他博物館，讓 MoMA 永遠保持在時代的最前線。
在 Barr 的主導下，MoMA 創下許多「第一」：1932 年成立全世界美術館中第一個建築與設計部門、1935 年成立電影部門，是最早把電影當作藝術品收藏的美術館之一；這位年輕館長的眼光與選擇，至今仍深深影響著 MoMA 。
歐洲名畫到紐約
MoMA 有許多鎮館之寶，其中受歡迎的便是梵谷的《星夜》，這幅經典名畫之所以輾轉到紐約，說起來還得感謝創辦人之一 Lillie P. Bliss 。
Lillie P. Bliss 生前一直很希望 MoMA 能展出一幅梵谷的傑作，她過世後將自己的大批收藏當成遺贈送給 MoMA，並在遺屬裡加上一條特殊的彈性條款，允許博物館在未來出售遺贈中部分藏品，並將資金用於收購更新、更當代的藝術作品。
除了 Lillie P. Bliss 的遺願，館長 Alfred H. Barr Jr. 也非常喜歡梵谷的畫作，於是在 1941 年用了 Lillie P. Bliss 遺贈中的三幅大師級畫作與羅森堡畫廊達成協議，交換《星夜》回來，這項歷史性的「3 換 1 」，成功讓名畫落腳紐約。
《亞維農的少女》故事同樣精彩，即便畢卡索已經成名，這幅畫剛問世時仍遭到了壓倒性的反對、嘲諷與厭惡，許多藝術家（甚至畢卡索的朋友）都因為《亞維農的少女》集體崩潰。為了要收藏這幅在當時頗具爭議的作品，館長賣出了印象派大師竇加的畫作（也是 Lillie P. Bliss 遺贈）加上募集基金，1939 年成功將其收入 MoMA 。
曾經被視為的「醜陋垃圾」，如今《亞維農的少女》卻被公認為現代藝術史最具革命性、最重要的一幅畫，有趣的是這兩幅畫當初入館時都不算有名，經過 MoMA 展覽後和歲月洗禮才越來越受歡迎，足見當初年輕館長超級有遠見啊！
必知看點：MoMA 五大特色
MoMA 不只是一間收藏名畫的美術館，它還有許多特色，你一定要知道！
以繪畫名作聞名，但不只是畫
MoMA 最為人熟知的是梵谷、畢卡索、莫內、達利、安迪沃荷等現代繪畫名作，這也是大多數旅客造訪的主要原因，5 樓與 4 樓的主要展廳幾乎就是一部濃縮版的現代繪畫史。
但其實 MoMA 館藏其實遠不只繪畫，還包含建築與設計、素描與版畫、攝影、電影、媒體與表演藝術等領域，你可能在同一層樓看到一幅抽象畫、一張早期海報、一台打字機和一段錄像作品，這種「什麼都能是藝術」的收藏觀，是 MoMA 和其他美術館最大的不同。
會一直「換裝」的常設展
2019 年重新開館後，MoMA 打破按媒材或流派分區的傳統，改以年代為主軸、讓不同類型的作品混搭展出，並且每隔一段時間就會輪換部分展廳。
也就是說，就算是去過的人，下次再去也很可能看到新東西；但反過來說，想看的作品出發前最好先上官網查一下是否展出中。當然，那些鎮館之寶會一直展出，不用擔心！
▼2022 年底去 MoMA 時的展覽。
設計迷的天堂
MoMA 收藏了許多「日常用品」：經典椅子、檯燈、家電、字體，甚至 2012 年開始收藏電玩（例如《小精靈 Pac-Man》、《俄羅斯方塊 Tetris》），2016 年收藏了日本 NTT DoCoMo 在 1999 年設計的第一組 176 個 emoji。
將這些東西放進美術館裡，也讓遊客重新思考了「設計」和「藝術」的界線。
門票含電影
前面有說 MoMA 把電影當成藝術，館內的電影部門擁有全球數一數二的電影收藏，地下樓層電影院會定期放映經典與獨立電影，持當日門票可以免費觀賞當天的電影場次，喜歡電影的人可以把放映時間排進行程。
要注意的是，看電影需要另外換取或預約專用的電影票，方式很簡單，只要持博物館常規門票前往票務櫃檯，即可向工作人員免費換取當天電影場次的電影票；如果想官網預約也沒問題，不過線上提前預約每張票會收取 $2 美元的附加費。
被高樓包圍的雕塑花園
許多人逛完繪畫樓層後，就急急忙忙離開 MoMA ，錯過了一樓的戶外花園有點可惜。
在寸土寸金的中城，MoMA 保留了一整座戶外雕塑花園。坐在水池邊發發呆或喝杯咖啡，被摩天大樓環繞、身旁是羅丹和畢卡索的雕塑，是我覺得紐約中城最有「城市綠洲」感覺的角落之一。
MoMA 停留時間建議
MoMA 的規模比大都會小很多，名畫密度非常高，參觀起來會輕鬆一點。如果只想看最精華的部分，速度快 1 – 2 小時已經足夠；想看其他藝術、電影或參加活動，待上一整天也不是問題。依照每個人興趣和時間，可以參考以下安排。
| 類型 | 建議時間 | 怎麼逛 |
|---|---|---|
| 行程很滿、只想看名畫 | 1–2 小時 | 直上 5 樓看《星夜》、《亞維農的少女》、《睡蓮》、達利，再到 4 樓看沃荷、波洛克 |
| 一般旅客 | 3 – 4 小時 | 5 樓、4 樓、2 樓常設展完整走一遍，加上雕塑花園 |
| 藝術／設計愛好者 | 半天以上 | 常設展 + 當期特展 + 設計館藏，中間在館內咖啡廳休息 |
| 想看電影或活動 | 一整天 | 白天看展，傍晚看一場館內電影放映，或週五晚上留下來 |
MoMA 參觀小建議
● 如果同一天還想去其他景點，把 MoMA 排在上午開館，上午人潮少，逛完剛好接洛克菲勒中心或第五大道。
● 5 樓是名畫最集中、人最多的樓層，從 5 樓開始往下逛，體力和專注力最好的時候先看最重要的作品。
● 除非時間真的很有限，否則不建議跟大都會排在同一天，兩間都看完會非常累，也很難好好欣賞。
MoMA 交通與開放時間
MoMA 交通
MoMA 位於53 街，第五大道與第六大道之間，距離洛克菲勒中心、聖派翠克大教堂、第五大道精品街都只有幾個路口，很適合排進同一天的曼哈頓中城行程。（位置）
搭乘地鐵有以下幾種選擇。
- E、M 線：5 Av/53 St 站，出站步行約 2 分鐘，最近
- B、D、F、M 線：47–50 Sts–Rockefeller Center 站，步行約 5 分鐘
- B、D、E 線：7 Av 站，步行約 5 分鐘
- N、R、W 線：5 Av/59 St 站，步行約 8 分鐘
MoMA 開放時間
MoMA 每天早上10:30 開放，閉館時間為 17:30，週五會延長至 20:30，一開館就進去最好，之後還可以排其他行程；週六、週日早上 9:30 – 10:30 部分展廳只開放給會員及其同行賓客。
| 日期 | 時間 |
|---|---|
| 週一至週四 | 10:30–17:30 |
| 週五 | 10:30–20:30 |
| 週六、週日 | 10:30–17:30 |
| 休館 | 感恩節、聖誕節 |
MoMA 門票價格與購買方式
門票價格
現在遊客沒有隨意捐贈日，只能乖乖買票，MoMA 全票為 30 美金，65 歲以上長者和學生皆有優惠（需出示證件），16 歲以下兒童免費。
| 票種 | 價格 |
|---|---|
| 成人 | US$30 |
| 65 歲以上長者 | US$22 |
| 全職學生（需出示證件） | US$17 |
| 身心障礙人士 | US$22（官網購買 US$20，陪同照護者免費） |
| 16 歲以下兒童 | 免費（不限國籍） |
| 會員 | 免費 |
位於皇后區長島市的分館「 MoMA PS1」2028 年底前對所有人免費，展出更前衛、實驗性的當代藝術，喜歡當代藝術的人可以順遊。
MoMA購票方式
現場或官網購票
現場有購票機可以買票，也可上 moma.org 官網則直接選日期時段，好處是不用排隊，直接出示 QR code 就可以入場，旺季和週末建議線上買。
第三方平台
第三方平台時會搭配語音導覽或與其他景點組合，價格可以和官網比較一下，因為匯率差別和免國際刷卡手續費，有時甚至更便宜。
🔗 預定 MoMA 門票：kkday MoMA 門票｜Klook MoMA 門票｜GetYourGuide MoMA 門票
城市通票
MoMA 有加入 New York CityPASS C3 、New York Pass、Go City Explorer Pass，以及和洛克菲勒中心觀景台 Top of the Rock 的 RockMoMA 組合票；如果你在紐約本來就打算去好幾個景點，有時用通票會更划算。
🔗 New York CityPASS C3：GetYourGuide 預定｜kkday 預定｜Klook 預定
🔗 New York Explorer Pass： GetYourGuide 預定｜kkday 預定｜Klook 預定
🔗 New York Pass：GetYourGuide 預定｜kkday 預定｜Klook 預定
MoMA 必看重點作品
MoMA 共有六層樓，常設展主要分佈在 5 樓（1880s –1940s）、4 樓（1940s – 1970s）、2 樓（1970s 至今）； 5 樓名畫最密集，建議從 5 樓開始往下逛，趁體力最好、人潮還沒湧入時先看。
下面分享的必看作品雖然有展間，但是以 2026 年 10 月的資訊為主，館方會不定期輪展，出發前可在官網或 App 查詢最新位置，若找不到請直接看 MoMA 線上地圖最準確。
MoMA 名畫 Top 10
先來推薦10 幅 MoMA 的鎮館之寶與名畫，後面會有詳細介紹，如果你時間很緊湊，這 10 幅是我最值得看、千萬不能錯過的的展品。
- 梵谷《星夜 》｜Gallery 501
- 亨利·盧梭《沉睡的吉普賽人 The Sleeping Gypsy》｜Gallery 501
- 畢卡索《亞維農的少女》｜Gallery 502
- 馬諦斯《舞蹈》｜Gallery 506
- 莫內《睡蓮》｜Gallery 515
- 達利《記憶的堅持》｜Gallery 517
- 瑪格利特《戀人》｜Gallery 517
- 芙烈達・卡蘿《我的祖父母、我的父母與我 》｜Gallery 517（可能會替換）
- 安迪・沃荷《康寶濃湯罐頭》｜Gallery 412
- 傑克森・波洛克《Number 1A, 1950》｜Gallery 401
5 樓：現代藝術的起點
MoMA 的 5 樓名畫雲集，也是大多數遊客來訪的原因，我會多花一點篇幅介紹。
梵谷《星夜 The Starry Night》｜Gallery 501
《星夜》堪稱 MoMA 的鎮館之寶，多有名就不用說了吧！創作這幅畫時梵谷已經割了耳朵，正住在聖雷米精神病院，處於人生最痛苦、最動盪的時期。《星夜》畫的其實是他從精神病院臥室的鐵窗向外望去的黎明景色，在白天時憑藉著記憶與他狂熱的想像力在室內完成的。
諷刺的是，梵谷在給弟弟西奧（Theo）的信中，對《星夜》的評價非常低，甚至覺得這只是幅不重要的習作，根本不值郵資，梵谷大概怎麼也沒料到，這幅被自己否定的小畫，在半個世紀後成為人類藝術史上的不朽神話。
如果近看，會發現看畫中漩渦狀的星空是用非常厚的顏料一筆一筆推出來的，星星與一輪新月如同火球般在夜空中燃燒，就像梵谷內心無處宣洩的激昂情感；拔地而起的絲柏樹像是火焰直插雲霄，而下方的村莊其實並不存在窗外，應該是梵谷以法國當地風景與他對故鄉荷蘭的記憶創造出來的。
《星夜》是整棟樓人最多的地方。不管是拍畫、自拍還是請朋友拍，這幅畫前永遠圍著一圈手機。我第一次去時因為是特殊時段人比較少，才拍到上一張正面照片，這次人多到爆，完全無法靠近畫（笑），建議開館一進門就直奔這裡，擠在畫前面的人會少很多。
梵谷《橄欖樹 The Olive Trees》｜Gallery 501
《橄欖樹》的展示位置就在《星夜》旁，這是梵谷刻意創作的「白晝互補作」，白天畫《橄欖樹》，夜晚則構思《星夜》，這兩幅雙生作品在 1889 年 6 月的同一個星期內於精神病院完成。
《橄欖樹》與《星夜》共享了南法聖雷米的阿爾皮耶山脈（Alpilles）的背景，形狀奇特的巨大白雲，呼應了《星夜》中翻滾的星空漩渦，展現了梵谷一貫將自然景物「精神化」的狂熱風格。
亨利·盧梭《沉睡的吉普賽人 The Sleeping Gypsy》｜Gallery 501
《沉睡的吉普賽人》構圖極其單純、扁平，卻散發著強烈的超現實魔力。盧梭本職工作是一名平凡的巴黎海關收稅員，因此常被戲稱為「稅務員盧梭」，他曾在這幅畫的框架上寫下註解，解釋了這幅畫的背景與意境。
「一隻遊蕩的母獅，正準備吞噬熟睡中的吉普賽人，卻在最後一刻停了下來。因為月光，因為音樂，因為這個孤獨靈魂的純潔，野獸被感化了。」
身為非科班出身的藝術家，盧梭沒有受過嚴格的透視與解剖訓練，他筆下的線條極其純真、稚拙，擁有其他職業畫家無法企及的原始想像力與夢幻感。雖然當時大眾經常嘲笑他的畫像小學生的塗鴉，但畢卡索等巴黎前衛藝術家卻對他極為崇拜，認為他的作品是人類最純粹的精神展現。
畢卡索《亞維農的少女Les Demoiselles d’Avignon》｜Gallery 502
《亞維農的少女》被視為立體主義的開端，實際上的尺寸比想像中巨大，長寬均超過兩公尺。畫名中的「亞維農」（Avignon）並非是法國小鎮亞維農，而是指西班牙巴塞隆納一條叫「亞維農街」（Carrer d’Avinyó）的街道，也是當地有名的紅燈區；而畫中的主角「少女」其實是五位性工作者，她們赤裸著身體，拉開天藍色和粉紅色的窗簾，眼神冰冷卻不羞怯，像是正在等待嫖客挑選。
這幅畫徹底拋棄三維透視，將空間壓縮得極其扁平，少女的肉體和前方的水果靜物，全部被拆解成尖銳的幾何碎片，像是將破碎的鏡子般拼貼在一起。這種打破時間與空間限制、把不同視角融合在同一個二維平面上的手法，成為後來「立體主義」（Cubism）的核心概念。
事實上，這幅畫問世時，連畢卡索的朋友都覺得醜得嚇人，面對排山倒海的反對與排斥，畢卡索大受打擊，將《亞維農的少女》雪藏在工作室的角落長達 9 年；直到 1916 年才在昂當沙龍（Salon d’Antin）正式首次對公眾展出，當然還是被大眾瘋狂指責與嘲弄，好在 MoMA 慧眼識英雄，將其買了下來啊！
馬諦斯《舞蹈 Dance》｜Gallery 506
亨利·馬諦斯（Henri Matisse）是現代藝術史上的野獸派大師，《舞蹈》正是他的代表作之一，僅僅使用了三種顏色和極簡的線條，就創造出了無與倫比的生命力。畫中五位裸體舞者正手拉著手，在草地上圍成一個動感十足的圓圈狂歡共舞。
雖然不像畢卡索的《亞維農的少女》被同行嘲諷得那麼慘，但當 1910 年正式版《舞蹈》在巴黎展出時，還是讓大眾和傳統評論家感到憤怒與震驚（當時的大眾和藝術家到底是多愛生氣？）。
馬諦斯筆下的舞者不僅赤身裸體，而且沒有五官、沒有陰影、肌肉線條粗糙變形，學院派藝術家將其批評的一文不值，認為這幅畫是粗俗的野蠻人塗鴉，幼稚且毫無技巧；後來就連訂製這幅畫的富豪在運回莫斯科的途中也一度被輿論嚇到退縮，好在後來還是堅持將它買下並掛起來。
莫內《睡蓮 Water Lilies》｜Gallery 515
515 號展廳只有莫內的作品，主題就是大家最熟悉的睡蓮系列，這裡的睡蓮是由三塊巨大畫布拼接而成的「三聯畫」，莫大膽地取消了地平線、天空、甚至池塘的岸邊邊界，畫面上只有水、浮在水面的睡蓮，以及水面上倒映的雲朵、垂柳和光。
創作這幅畫時莫內已年過古稀，且深受眼疾折磨，他的視力讓世界變得模糊，這反而促使他轉用更自由狂放的「厚塗」筆觸，退後幾步，生動的光影便在你的大腦中自動成形。MoMA 在 1955 將此畫收入館中，是美國第一家購入莫內晚年巨幅睡蓮的博物館。（🔗 延伸閱讀：睡蓮真實場景 法國Giverny吉維尼｜莫內花園故居交通、門票與參觀注意事項）
▼莫內《睡蓮》一樣非常熱門，前面的乾淨的畫面是上次到 MoMA 時拍的，這次下午完全不可能拍到空景。
▼ 515 號展廳其他莫內畫作。
薩爾瓦多·達利《記憶的堅持 The Persistence of Memory》｜Gallery 517
印象派、立體派都看過了，接下來到超現實主義吧！西班牙超現實主義大師達利的這幅《記憶的堅持》尺寸雖然迷你（大約一張 A4 紙），但藝術史上擁有巨大的影響力。
達利打破了「時間是堅硬、客觀、不可改變」的常規認知，三個時鐘像是起司一樣癱軟、融化在樹枝、平台與神祕的生物上，象徵在夢境與潛意識中，時間是主觀的、相對的，並且徹底失效了；而畫中的怪異生物，其實是達利本人的變形自畫像，畫面左下角是唯一一個沒有融化的紅色硬殼懷錶，上面卻爬滿螞蟻，意味著腐爛、死亡與焦慮。
這幅畫也常被稱為《融化的時鐘》，據達利自己透露，這幅畫的靈感其實來自起司。某天晚飯後，他看著桌上因為天氣熱而變得黏稠又軟塌塌的卡門貝爾起司（Camembert cheese），陷入了沉思。當晚走進工作室，面對自己原本畫到一半、只有家鄉海岸風景的畫布，靈感瞬間爆發，在兩個小時內就把這幾面「軟鐘」畫了上去。話說這麼有才華又瘋狂的畫家，怎麼能不喜歡他？
這幅畫在 1932 年被紐約畫商引進美國，隨後在 1934 年由一位匿名捐贈者將其贈送給了 MoMA，成為探討「時間與潛意識」時不可繞過的藝術圖騰。
雷內·馬格利特 René Magritte《戀人》｜Gallery 517
《戀人》是由比利時超現實主義大師馬格利特所創作，一男一女正緊緊依偎並深情親吻，但兩人的頭部都各被一塊濕白色布料完全包裹住，他們試圖透過布料尋求最親密的接觸，卻注定無法真正觸碰、看見或呼吸到彼此，畫面相當詭異又荒誕。
這幅畫的隱喻藝術界沒有共識，主流說法是來自馬格利特童年的母喪悲劇，他 14 歲時母親因精神疾病投河，被撈起時睡衣恰巧包住臉，而他之後一系列相似的作品，可能是童年目睹母親慘狀後，成為無法抹滅的潛意識創傷。
其實馬格利特本人非常反對別人用心理學去「破解」他的畫，所以另一種解讀是馬格利特想表達人類孤獨的本質，即使是關係最親密的戀人，彼此之間也永遠隔著一層無法看透的屏障。
雷內·馬格利特《錯誤的鏡子 The False Mirror 》｜Gallery 517
《錯誤的鏡子》構圖極其乾淨，畫中只有一顆巨大眼睛，瞳孔裡畫著藍天白雲，虹膜變成了天空，瞳孔是死寂的純黑圓盤，視覺衝擊力極強。當你認真盯著這幅畫時，多少會生出一問，究竟是在看一隻巨大眼睛，還是透過這隻眼睛像看窗外一樣看著天空，抑或是這隻巨大的眼睛正在凝視著我們？
馬格利特透過這幅畫傳達了他的哲學思考：世界上沒有眼睛看得見的「真實」，眼睛只是一面錯誤的鏡子。
芙烈達・卡蘿 Frida Kahlo《我的祖父母、父母與我 My Grandparents, My Parents, and I》｜Gallery 517
MoMA 收藏了不少拉丁美洲現代藝術，其中包含墨西哥傳奇女畫家芙烈達・卡蘿，這幅《我的祖父母、我的父母與我》是一幅極具自傳色彩、充滿魔幻寫實符號的「家族樹」名作，以芙烈達童年在墨西哥城的家「藍屋」（La Casa Azul）的庭院為舞台，將三代人的血脈視覺化。
這幅畫的創作背景與政治局勢有深刻的連結，當時納粹德國頒布了《紐倫堡法案》，嚴格禁止跨種族婚姻，並利用官方的「家族族譜表」來審查血統純潔性、剝奪特定族群的公民權。芙烈達的父親背景是德國與猶太、母親則是墨西哥人，她藉由畫作驕傲地向世界展示並歌頌自己的混血與多民族背景，成為對當時法西斯種族主義的一記強烈反擊。
事實上，2019 年後 MoMA 大量引進拉丁美洲藝術作品，除了芙烈達外，還有她壁畫家老公 Diego Rivera以及另一名墨西哥壁畫家 David Alfaro Siqueiros、烏拉圭畫家 Joaquín Torres-García、巴西畫家 Tarsila do Amaral 等人的作品，不過這次去時剛好特展結束，只有看到《我的祖父母、我的父母與我》。
古斯塔夫·克林姆 Gustav Klimt《希望 II 》｜Floor 5
《希望 II 》創作於奧地利象徵主義大師克林姆著名的「金色時期」，將「生命誕生」與「死亡陰影」完美融合的巔峰之作。
這幅畫是克林姆第二幅以懷孕為主題的作品，早在 1903 年，他就創作了《希望 I》（現藏於加拿大國立美術館）。
- 《希望 I》 中的孕婦是完全赤裸的，帶著挑釁且不安的眼神直視觀眾，背景則充斥著各種威脅性的怪物與死神。
- 《希望 II》 則將女子的身體包裹在華麗的斗篷中。克林姆不再用外在的怪物來嚇人，而是將「生與死」內化成衣服上的圖案，讓整幅畫的氛圍從驚悚轉化為一種神聖、永恆且莊嚴的命運交響曲。
Meret Oppenheim《物件 Object》｜Gallery 517
一組包滿毛皮的茶杯、茶碟和湯匙，超現實主義最經典的「看了會起雞皮疙瘩」作品。
保羅·高更 Paul Gauguin《阿雷奧伊的種子 The Seed of the Areoi》｜Gallery 518
這幅畫是 Lillie P. Bliss 的遺贈，左下角寫著塔希提語：”Te aa no AREOIS”，這是高更在大溪地時期的經典作法，直接把畫名以土著語言題寫在畫布上，增添神祕的異國宗教神話色彩。
4 樓：戰後美國藝術的爆發
安迪・沃荷《康寶濃湯罐頭 Campbell’s Soup Cans》｜Gallery 412
由 32 塊獨立的小畫布排成矩形矩陣展出，每一罐口味都不一樣，代表了當時康寶公司所販售的每一種不同口味，是普普藝術最具代表性的作品。這幅畫徹底打破了「高雅藝術」與「大眾商品」的界線，宣告了商業消費社會的到來。
▼ 2022 年來時展覽的排列方式不同。
▼ 安迪沃荷
安迪・沃荷《金色瑪麗蓮·夢露 Gold Marilyn Monroe》｜Gallery 420
這幅畫創作於 1962 年 8 月，正是瑪麗蓮·夢露因藥物過量驟逝的同一個月份。在一整片如同好萊塢神殿般的巨大金漆背景中央，孤零零地印著瑪麗蓮·夢露的性感頭像，亮黃色的頭髮、綠色的眼影和過度飽和的鮮紅嘴唇，是一代女神的輓歌。
傑克森・波洛克 Jackson Pollock《Number 1A, 1950》｜Gallery 401
滴畫法代表作，仔細看畫面右上角還留有波洛克的手印。
Robert Rauschenberg《Canyon 峽谷》｜Gallery 408
畫布上真的黏了一隻老鷹標本，是混合藝術與組裝畫的先驅。
費絲·林格爾德 Faith Ringgold《American People Series #20: Die》｜Gallery 420
非裔美國女性藝術家描繪種族衝突的巨幅畫作，畫面極其慘烈且充滿動感，描繪了一場沒有勝負、只有毀滅的混亂暴動，兩個年幼的孩子緊緊抱在一起，眼中充滿了恐懼，隱喻著成人世界的種族仇恨正無情地吞噬下一代的未來，視覺衝擊力極強。
李·邦特庫 Lee Bontecou 《無題Untitled》｜408
李・邦特庫的這件作品是20 世紀中葉美國藝術界極具分量的三維浮雕巨作，與上面介紹的《峽谷》共同代表了 1950 年代末至 1960 年代初，美國藝術家大膽打破「繪畫」與「雕塑」傳統界線的黃金時期。
李·邦特庫利用報廢淘汰的帆布傳送帶，像拾荒一樣將這些沉重、結實的粗帆布撿回工作室，親自將這些帆布縫合固定在她親自焊接的鋼筋骨架上，站在這幅巨大作品面前時，正中央那深不見底的黑色孔洞猶如可以吞噬一切，有種神祕與壓迫感。
▼順便分享另一個李·邦特庫的《無題》系列浮雕，上次來 MoMA 時看到的。
2 樓：當代與設計
Richard Serra《Equal》｜Gallery 210
八塊巨大的鋼塊兩兩疊放，每塊重達數十噸，走在中間會感受到一股說不出的沉重。
設計館藏
MoMA 是最早把工業設計當作藝術收藏的美術館之一，常可看到經典椅子、家電、海報，甚至 1999 年日本 NTT DoCoMo 的初代 emoji，可以逛逛。
雕塑花園 Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden
位於 1 樓的戶外雕塑花園，被高樓包圍卻意外安靜，可以看到羅丹、馬諦斯、畢卡索等人的雕塑作品，逛累了來這裡坐一下，是 MoMA 最療癒的角落。
MoMA參觀注意事項與建議
兩次去 MoMA 有一些經驗可以分享。
◼︎ 平日 10:30 一開館 就直衝 5 樓看《星夜》最理想；週五晚間 UNIQLO 免費時段、週末下午人最多，參觀體驗差很多，請盡量避開。
◼︎ 所有包包都會安檢，大型背包、行李箱需寄放，大型雨傘不能帶進展廳。
◼︎ 一般常設展可拍照，不能使用閃光燈、自拍棒與腳架；部分特展禁止拍照，請留意現場標示。
◼︎ 可下載免費的 Bloomberg Connects App，有語音導覽講解。
◼︎ 館內有 Café 2（2 樓）和 Terrace 5（5 樓，可眺望雕塑花園）；1 樓的 The Modern 是米其林二星級餐廳，預算充足可以考慮。（我預算嚴重不足）
◼︎ 博物館對街和 SoHo 都有 MoMA Design Store 的分店，文創商品設計感很強，有時間也可以進去逛逛。
◼︎ 如果一整天都在曼哈頓，順遊路線可以這樣安排：MoMA → 洛克菲勒中心／Top of the Rock（可買 RockMoMA 組合票）→ 聖派翠克大教堂 → 第五大道，一天就能把中城精華走完。
MoMA 就分享到這裡啦！在大都會，你是在翻閱人類幾千年的歷史；在 MoMA，你看到的是這一百多年來，藝術家們怎麼一次又一次地打破「什麼才叫藝術」的規則。
從梵谷漩渦狀的夜空、沃荷的湯罐頭，到一整面牆的鋼塊，有些作品你可能會喜歡、有些可能讓你一頭霧水。當走過朝聖名畫的感動，突然出現那種「欸，這也可以？」的問號瞬間，大概正是 MoMA 最迷人的地方吧！
來 Facebook 聊聊天！
也可以在Instagram找寶兒！
